李雪松
关注生命，那种没有人类干预的，自然生长的生命。这是北京画院画家李雪松，在近二十年来的花鸟画创作中一直在描绘的世界本真的美。《生生不已》《雨林》两个系列，涵盖了李雪松近些年来的重点大型创作。
花鸟画的创作之于李雪松来说，从家学开始。因为祖父、父亲的影响，开始学画，到《芥子园画谱》，再到临摹顾恺之的《烈女图传》，唐代《虢国夫人游春图》。早年，有机会得以大量临摹古画，是李雪松真正进入花鸟画领域的重要经历，尤其是宋代花鸟画给李雪松带来重要影响。
考入中央美术学院，受教于花鸟画家郭怡孮，再到近年来进入北京画院，李雪松是在典型的学院系统里成长起来的画家。所以，他强调中国画的严谨训练。在谈及“技与道”时，他认为，如果说 “道”是万物的运行的道理，那么“技”则是如何将其表达出来，就如中国笔墨在宣纸上的枯、润、干、湿、浓、淡、起承转合。
十几年来，李雪松和他的朋友们走遍了全球一多半的热带雨林，写生、创作，感受那些没有被人为改造过的自然，感受植物的和谐共生、相互依存。他觉得，之于现代社会和人类文明而言，雨林是一种很遥远的存在，没有人类的干预，完全处于一种自生、共生之中，而将花鸟画置于这样的宇宙和背景中，李雪松思考的是自然与人类的命运。
李雪松画了很多工写结合风格的巨幅花鸟画，题材是热带雨林，线条与色彩都有赤道阳光的味道，画面投射出正在生长的生命力。不断的在自然世界中挖掘素材，李雪松喜欢沉下心来画大画，画力作。
李雪松《雨林之歌》 290x540cm 2011年
李雪松 《青木瓜》 290*180cm 2005年
李雪松《海风》 290x540cm 2011年
对话李雪松：
采访者：李老师您好，能否简单回顾一下您的艺术成长历程?
李雪松：可能是因为家学原因，我的爷爷、父亲都是画画的，所以我学画比较早。最开始学的是写意花鸟，之后学习《芥子园画谱》、齐白石等，一路画过来，后来考上了中央美术学院附中，开始学习素描、色彩、油画等，考上中央美术学院之后根据自己的喜好，学了花鸟画专业。开始真正系统地学习花鸟画的传统，跟随着中央美术学院临摹、写生、创作三位一体的教学体系学习。
当时特别好的是，我们能够看到并可以临摹大量美院的古代花鸟画收藏，所以大学期间临摹了大量从宋代至明清的花鸟画，这使我确实得到了很大收获。四年级开始跟郭怡孮老师学习，他的艺术风格的确影响到了我的创作方向。毕业之后，我又进入了中央美院主办的第一届花鸟画高研班学习，这又让我有了更大的突破和进步。
李雪松在热带雨林写生
采访者：您在绘画中关注的是哪些艺术问题?
李雪松：我从零几年开始近二十年的创作中主要是花鸟画，因为我一直关注生命在自然中的本体状况。我们现在应该膜拜宋代花鸟画，宋代花鸟画是我们公认的高峰。我觉得宋代花鸟画最打动人的地方就在于它表达自然中，没有人类干预的生命状态，这也是宋代花鸟画给我带来的深入启示。描绘了一种无人之境，一种没有人类痕迹的、一种天然的生态之美。
所以后来我画大尺幅的花鸟画，写生去了很多地方，去过非洲、欧洲、南美洲……我是想寻找这种自然中生命的状态。我们带着一个关于花鸟画的课题，去全球的热带雨林考察与写生，我想创作的就是自然本真的生命之美，这跟人们赋予花鸟画中折枝、花卉还是有区别的。
李雪松《生生不已系列之五》 290cm×540cm 纸本设色 2013
李雪松《溪山过雨》 290cm×540cm 纸本设色 2012
采访者：谈谈您目前的创作状态和未来的规划?
李雪松：最近这些年我一直在创作两个系列，一个是《生生不已》系列，一个是《雨林》系列，这两大系列涵盖了我十几年的创作。
首先是《雨林》系列，“热带雨林”是我和几位艺术家朋友这些年做的一个课题，我们现在基本已经把全球十大雨林走了一多半，我觉得雨林是远离现代社会、远离人类文明的遥远的存在，完全处于一种自生、共生的状态，把花鸟画放在这种大的背景环境中去思考，所以这些年我画了很多大尺幅的绘画，植物互生、共生，形成了一种和谐、共生、依存的自然状态。
《生生不已》系列，最早来源于我上大学的时候去云南画的竹子，竹子经过多少年之后衰老枯死地垂下来，新竹生长出来，又穿过这种腐朽衰老，继续生长，这种生命之间的轮回转换，是我思考的主题。
李雪松 《潮平月上》 290*180cm 2004年
采访者：的确您作品中充满的生命力是让观者印象深刻的，色彩呈现出的是中国传统色彩的影响，您如何看待传统对您作品的影响?
李雪松：我觉得中国艺术可能不同于西方，中国很多艺术的门槛是比较高的，比如京剧和中国画，我们常常说的一句话叫“没入行”。就如中国画的线条，经过长时间的训练才能掌握一根线条里的枯、润、干、湿、浓、淡、起承、气韵，所以我觉得中国画这个门类是需要经过严格的传统训练的。
我作品的色彩本质，脱胎于中国传统的色彩体系，我临摹过永乐宫壁画、敦煌壁画、宋代花鸟画，中国颜色体系本身有一种独特的审美元素，我们所说的石青、石绿、朱砂，也就是中国传统的丹青，是以中国独特的审美选出，并具有中国独特的审美气质，这个颜色用在画面上自然就有了中国味道和韵律，所以我绘画色彩的源头还是中国宋元传统色彩体系。
李雪松《赤土苍生》 290cm×180cm 纸本设色 2012
李雪松《凤梨之舞》 290cm×180cm 纸本设色 2012
李雪松《雪线晴光》 290cm×180cm 纸本设色 2013
采访者：能否谈一下您创作中的线条，您作品中的线条非常有力道。
李雪松：我大概从小学一年级开始临摹古代作品的线条，从顾恺之的《烈女图传》，到唐代的《虢国夫人游春图》，小时候基本每天都要画几张，这样一路下来，我对传统的线条有了一定把握。掌握线条之后，再去寻找线的表现。
我觉得线条是区分中国艺术与西方艺术的重要因素，这可能和笔的运用有很大关系，笔法延续到画里变成了线条和线的书写性。我的画里很多热带植物，植物中有很多纷繁复杂的线的组合，线与线之间的搭界，加上枯、湿、浓、淡的笔法，组成一种生命力的印象。
李雪松《春雨江南》 220cm×200cm 金笺设色 2012
李雪松《山樱蛱蝶》 39cm×65cm 金笺设色 2013
李雪松《幽兰绿蛾》 39cm×65cm 金笺设色 2014
采访者：您是写意和工笔画在同时创作?
李雪松：我一直在想的问题就是工笔和写意的问题，这是两组概念，只不过大家叫习惯了就这么延续下来。我觉得工笔应该对应的是意笔，对应的是绘画的快慢和方法;写意与写实，对应的是画面追求的境界和方式。我觉得从本质来看，工笔与写意只是两个不同的方式，最后都是写意性的。
采访者：您如何看待技与道之间的关系?
李雪松：“技”首先就是技法和技巧，“道”可能就是万物运行的道理。艺术和其他行业不同，其他行业可能没有“技”，有顿悟就能体会“道”。但画画本身就是一个技术的事儿，技术首先就是要掌握技法与技巧，你把最初的基础掌握之后才能上升到“道”的层次。而且画画就是要给人视觉上的展现，如果没有充分而扎实的表现方法，可能就没办法承载你内心“道”的存在。
采访者：对于北京画院的教学模式您如何看待?
李雪松：北京画院“师徒制”的教学方式是一个很好的方法，现在都在回归传统。我觉得老师与学生的交流更能使学生对艺术、对自身有更好的理解和认识，并有助于技法的传承，中国的艺术就这样传承了几千年，我觉得这种教学方式的存在并且能够大师辈出，自然有其道理。
采访者：对于青年艺术家，您会强调什么?
李雪松：中国的艺术就是了解透彻之后再说创新，首先就是对前人传统的积累，中国传统艺术门类就是这样一种艺术，把所有功夫累积到一定程度之后才会有更自由的艺术和创造空间。
( 图文：刘倩 佟欣鑫)
（编辑：罗元欣）
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